Dem ständigen Wandel verschrieben, ändert DAS INSTITUT regelmäßig Ort und Bestimmung und schafft temporäre, thematische Räume für zeitgenössische Kunst und Kultur. Am 1. April 2012 eröffnet DAS INSTITUT für Identitätskultur und Zeitgeschmack mit einer Gruppenausstellung in Berlin, Neukölln.

www.das-institut-berlin.de

Please check out my new project and spread the word!

Malick Sidibé ist 1936 in Bamako, Mali geboren und hat die Jugendkultur der 50er, 60er und 70er fast systematisch dokumentiert. Man kann von fotografischen Studien sprechen. Fuer sein Werk wurde er 2003 mit dem Hasselblatt Award honoriert.

Video by RogersCreations

Unter dem Thema Trust wird noch bis zum 17.November 2010 kritisch und manchmal auch ironisch unsere Gesellschaft, unser Miteinander hinterfragt. “…To connect with the rest of the world, we invest a certain amount of trust in various relations. Trust is by default an ambiguous notion, it is one grounded in good faith as much as in doubt. As individuals we not only have these relations to our fellow citizens, but also increasingly with modes of connection. With proliferating forms of media, information comes to us in many guises, and the message is more and more opaque; marketing poses as friendship, solitude as community, populism as democracy…” schreiben die Macher der 6. Biennale auf ihrer Website zum Ausstellungsthema.

So beschwert sich in Rainer Ganahls Videoarbeit „I hate Karl Marx“ eine Frau lautstark vor einer Karl Marx Statur in Berlin, Chang-Kyong Park zeigt in seinem 45 Minuten Experimental-, Dokumentarfilm „Sindoan“ Koreas schwierige Gesichte als japanische Kolonie und gespaltenes Land und in dem 2 Channel Video „Forever“ von Rulika Rudelius sprechen 5 reiche Frauen jenseits der Vierzig über das erlangen von Schönheit, Glück und Individualität.

Desweiteren sind Arbeiten von Xijing Men, Catherine Opie, Judy Radul und 39 anderen Künstlern zu sehen.

www. mediacityseoul.org

Eine Frau dreht uns den Rücken zu, trägt ein lilanes Kopftuch, hat den Blick gen Boden gerichtet. Ein Mann im hellblauen Hemd, kurze dunkelblonde Haare, steht uns im Bild gegenüber und schaut ebenfalls auf den Boden. Im dritten Bild sehen wir eine Frau mit hochgesteckten Haaren, mit starren Blick schau sie am Betrachter vorbei. Sie trägt ein rosanes Kleid mit Puffärmeln und Reifrock. Nun sind die Kleidungsstücke nicht aus Wolle, Seide, Baumwolle oder einem anderen textilen Material. Der leichte Schimmer, die Reflexionen in der Kleidung – eine scheinbar zähe Masse legt sich um die Körper. Es ist Farbe die sich um die Silhouette der Kleidungsstücke windet, schaut man genauer hin sieht man die Farbe beim lilanen Kopftuch tropfen und beim rosanen Kleid sind Farbflecken auf dem Arm zu entdecken. Die Portraits wirken inszeniert, wie Staturen, die Kleidung wirkt wie eine Plastikschale die für jedes Kostüm gegossen wurde.

Was hat das alles zu bedeuten? Das Portrait so sagt das Wörterbuch ist: „ eine künstlerische Darstellung einer oder mehrerer Personen. Die Absicht eines Porträts ist es, neben der Darstellung körperlicher Ähnlichkeit auch das Wesen, bzw. die Persönlichkeit der porträtierten Person zum Ausdruck zu bringen. Daher zeigt das Porträt wegen der Bedeutung der menschlichen Mimik in der Regel das Gesicht der Person…“ Doch geht es in Karjalainen’s Arbeit um die Persönlichkeit, das Wesen? Die Kleidung kann oftmals Auskunft über Beruf, sozialen Status oder soziale Gesellschaftszugehörigkeit geben, die Farbmassen verschleiern aber mögliche Schlüsse auf die Akteure. Der Blick der Modelle ist verhalten, ausweichend. Der Künstler selbst sagt: „…their true identity remains shrouded underneath the layers of paint. As the subjects appear distant and eventually unapproachable, we are left with a canvas on which to project one’s own hopes, dreams, nightmares and fears.”

Hannu Karjalainen 1978 in Haapavesi, Finnland geboren, lebt und arbeitet in Helsinki und Berlin. Karjalainen wird zu den Künstlern der Helsinki School gezählt, die Helsinki School bzw. die Fakultät für Fotografie der University of Art and Design Helsinki ist die größte Kunstschule in Finnland mit ca. 1700 Studenten. Künstler der „Helsinki School“ sind herausragende Studenten und Absolventen des Fachgebietes Fotografie zu denen unter anderem auch Riitta Päiväläinen, Jouko Lehtola, Ulla Jokisalo, Elina Brotherus und Jyrki Parantainen.

Karjalainen, 24 weitere Künstler der Helsinki School und viele andere Künstler können noch bis zum 24. Oktober 2010 auf der Daegu Biennale in Daegu, Südkorea bewundert werden. Das diesjährige Thema des 2006 gegründeten und Koreas größtem Fotografie-Festivals ist Tru(e)motion. Ein Besuch lohnt sich!

Vom 30.06. – 2.07.2010 wird den Jugendclub in der Moskauerstrasse bespielt. Anboten werden verschiedenste Workshops für Kinder und Jugendliche zwischen 4 und 18 Jahren. An 3 Tagen gibt es insgesamt 8 verschiedene Workshops aus den Bereichen Kunst, Design, Performance, Neue Medien und Mode, am 2.7.2010 ab 16.00 Uhr werden die Ergbisse in Form einer kleinen Schau präsentiert.

Mein Workshop findet am 1.7.2010 um 14.00 Uhr. Ich freu mich schon und wer Lust hat ist herzlich willkommen!

Papier Couture | Mode aus Recyclingmaterialen
ca. 4 Stunden, 6 – 12 Jahre, max. 20 Teilnehmer

Papier in der Mode gab es schon in vielen Kulturen und historischen Perioden. In ökonomischen Krisen suchten  die Menschen nach Alternativen zur Fertigung von Kleidung, wobei Papier die einfachste Möglichkeit dazu  darstellte. Besonders interessant wurde Papier auch ohne Krisenzeit in den 1968ern, in denen unzählige  wichtige Modehäuser und Designer das Material Papier zum experimentieren entdeckten. Dabei gilt auch heute Papier noch immer als eine Vorstellung der Materialalternative für Bekleidung. Und auch heute suchen zeitgenössische Designer noch nach anderen Materialien (wie Plastik,  Verpackungen, Folien) die ihren Kollektionen ein außergewöhnliches Erscheinungsbild geben. Wir werden mit Recyclingmaterialien arbeiten. Verschiedene Papiere, Plastikfolien, Pappen und Styropor  werden uns helfen unsere eigene Kollektion zu designen und diese in Form einer Modenschau am 2.07.2010 zu präsentieren.  Die Teilnehmer werden einen kleinen Einblick in die bunte Welt der Mode bekommen, wir machen einen  Exkurs in die Formgestaltung von Silhouetten und gehen auf inspirationsreise in Geschichte des Kostüms.

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International Creative Event
30.06.2010 – 2.07.2010

Jugendclub Waggong/Kramixxo
Moskauerstrasse 55
99427 Weimar
www.weimar-ice.de

Das Défilé, es lässt das Herz des Designers höher schlagen. Denn bei der Modenschau präsentiert er die aufwändige Arbeit vieler Monate oder Jahre. Wer sich hier auf eine fabelhafte Art und Weise präsentiert, gewinnt Presse, Händler und Käufer für sich und dies sagt monetär erfolgreiche Monate voraus. Aber nicht nur für die Designer ist dies ein atemberaubendes Moment, die Modenschau bezirzt seit mehr als einem Jahrhundert Jene die sich der Mode verschrieben haben und Jene die Wert auf Inszenierung, Szenografie und Performance legen. Hier erst entwickelt sich die Idee des textilen Designs und geht eine Symbiose mit Körper, Licht, Musik und Performance ein – ein mitreißender Augenblick.

Vor gut 100 Jahren erkannte dies bereits L. Roger Milés und schreibt im Vorwort seines Buches: „Les Créateurs de la Mode – Dessins et Documents de Jungbluth“:

„…Wenn im Februar die Sommermode und im August die Wintermode präsentiert wird, werden die Salons der großen Courtiers von einer Menschenmenge gestürmt… Und es ist ein herrliches Schauspiel, selbst für die blasiertesten Blicke, die Kollektionen über den über den Laufsteg defilieren zu sehen… Diese Modenschauen haben etwas Beglückendes und Traumhaftes… Und damit meine ich nicht die technische Ausstattung der Kleider – ich meine alleine diesen Anblick und den kaleidoskopischen Eindruck, den er auf der Netzhaut hinterlässt…“

Denken wir nur an den üppigen Rosenblätterteppich bei Givenchy (Frühjahr/Sommer 2009), prunkvolle, illuminierende Kristall-Leuchter und einen Catwalk als unendlich lange Tafel bei Dries Van Noten (F/S 2005), John Gallianos inszenierten nebeligen barocken Friedhof für Dior(Herbst/Winter 2005/6) oder die Performance Hussein Chalayan’s in der Models ihren Kolleginnen die aus Zuckermasse gefertigten Kleider abschlugen – ich kann und möchte mit Sicherheit sagen, dass dies Inszenierungen waren die einen Nachhaltigen Eindruck auf der Netzhaut hinterlassen haben und die dem textilem Kunstwerk Leben einhauchen. Wie Marc Jacobs schon sagte:“ Ich mag den Gedanken, Kleider könnten nach Ende der Show ein Leben haben.“

Aber woher kommt der Begriff „Défilé“ überhaupt? Défilé ist französisch und bedeutet so viel wie Vorbeimarsch, file bedeutet Faden, Schlange. Es ist Begriff aus dem Militärwortschatz des 18. Jahrhunderts, kam die Truppe in einen Engpass, mussten sich die Soldaten, Mann für Mann in einer Schlange aufstellen um diesen zu passieren, ein ähnliches Bild der Formatierung wie bei unseren heutigen Schauen.

Aber machen wir einen Sprung zurück, einen großen Sprung zurück und schauen in eine Zeit in der es weder Courtiers, Designer, Modehäuser, Pret a Porter oder Haute Couture gegeben hat. Beginnen wir im 14. Jahrhundert. Zu dieser Zeit gab den Beruf des Schneiders der sich ausschließlich um die Gewandung des Herren kümmerte und die Schneiderin welche für die weibliche Kundschaft zuständig war. Erst im 14. Jahrhundert konnte man eine Nähnadel aus Stahl herstellen, zuvor wurde aus Gräten oder Knochen eine Nadel gebastelt. Die Tätigkeit beschränkte sich auf das Fertigen der Kleidung, über Schnitt, Stoff und Design entschied die Kundin – dies sollte sich auch bis ins 19. Jahrhundert nicht ändern. Was sich jedoch ändern sollte war die Form der Verbreitung der neuesten höfischen Moden. Königshäuser schmückten sich mit exquisiter Schneiderkunst, schon in der Renaissance galt: „Kleider machen Leute“. Nun soll es sich zugetragen haben, dass Elisabeth von Bayern Frau des französischen Königs Karl VI, dem Hofscheider anwies Puppen zu fertigen und gleichmit Puppenkleider im höfischen Stil. Diese sollten der Königin von England übersandt werden um sie zu erfreuen. 1396 entstanden also die ersten Mannequins welche bis ins 18. Jahrhundert am Hofe üblich wurden und zuletzt auch in die Provinzen geschickt wurden. Die „pupées de mode“ waren die Werbebotinnen des jeweiligen Hofes und der Adelshäuser, in dieser Zeit überzeugte übrigens besonders Paris mit seiner Schneiderkunst. Die Form des Mannequins, der Schaufensterpuppe, veränderte über die Jahrhunderte, soll es zu noch Beginn eher ein zweidimensionales Holzgerüst gewesen sein, fertigte man im 18. Jahrhundert weibliche Puppen mit Kopf und Körper. Mit diesen noch statischen Modellen führte man im Ausland seine Mode vor.

Durch die neuesten Erfindungen im Druckbereich wie etwa die Möglichkeit des Kunstdrucks und der Illustration von 1837 und der Erfindung der Rollen-Rotationsdruckmaschine die Massenauflagen von Büchern, Zeitungen, Zeitschriften mit kurzfristigem Erscheinungstermin ermöglichte, entwickelten sich bis Ende des 19. Jahrhunderts verschiedenste Modemagazine und lösten die Modepuppen ab.

Der Engländer Charles-Frederick Worth, geboren 1826, war Textilkaufmann und eröffnetet 1858 in der Pariser Rue de la Paix sein „House of Worth“ (wenige Jahre später, 1898, eröffnete hier auch die Familie Cartier ihren ersten Laden). Worth selbst entwirft Mode für Damen, sucht die Stoffe selbst aus und Kennzeichnet seine Kreationen mit seinem Namenszug im inneren des Stückes. Er gilt somit als Begründer der Haute Couture, was französisch ist und so viel bedeutet wie gehobene Schneiderei. Worth war es der das traditionelle Schneiderhandwerk zur Kunst machte und seine Kunst waren textile, signierte Einzelstücke.

Wenige Jahre zuvor entwickelte der Amerikaner Elias Howe die Doppelsteppstichmaschine und ab ca. 1850 konnte man bereits Nähmaschinen für 100 US Dollar erwerben. Dies ersetzte die mühsame Handarbeit und machte die Serienproduktionen von Mode in den kommenden Jahrzehnten möglich.

Aber zurück zu Worth, er revolutionierte nicht nur die Bekleidungsindustrie sondern war auch der Erste der mit lebenden Modellen arbeitete. Als geschickte Verkäufer erkannte er früh, dass sich sein Absatz steigern lassen würde, würde er nur seine Modelle dreidimensional vorführen. Worth begann damit Modelle unter seinen Verkäuferinnen auszuwählen, darunter seinen Frau Marie Vernet.

Sein guter Geschmack sprach sich schnell herum und fix konnte er verschiedenste königliche Persönlichkeiten zu seinen Kundinnen zählen und nicht er kam zu seinen betuchten Kundinnen, sie „pilgerten“ förmlich zu ihm. In seinem Salon ließ er seine Modelle, die er nach Ähnlichkeit mit der Kundschaft aussuchte, die aktuelle Kollektion vorführen. Die Mannequins trugen unter den Modellen eine dünne Schicht aus schwarzem Stoff damit die Stoffe nicht direkt auf der Haut liegen und einfach wieder abzustreifen sind. Es gab keine Musik, eine Ausruferin kündigte Model für Model in Form von Zahlen an.

Die Anfänge der Couture werden mit der Gründung des Chambre Syndicale de la Couture 1868 gesetzt, eine Art Interessenverband der streng reglementiert ist, sich für die globale Schneidekunst einsetzt und noch heute als „Fédération française de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode“ in Frankreich agiert.

Wer also heute Haute Couture entwerfen möchte und diese bei den Pariser Schauen vorführen will muss einige Kriterien erfüllen. Punkt Eins, er muss ein Atelier mit min. 15 Vollzeitmitarbeitern in Paris unterhalten. Punkt Zwei, es müssen zwei Präsentationen im Jahr stattfinden zu vorgegebenen Terminen. Punkt Drei, der Designer muss min. 35 verschiedene Modelle präsentieren. Punkt Vier, jedes Stück muss ein Unikat sein. Jeder Designer muss sich Jahr für Jahr neu bewerben, die Kriterien werden jedes Jahr neu überprüft.

Aber zurück im späten 19. Jahrhundert: Der Couturier hatte sich dankt Worth durchgesetzt, die Schickeria, die Reichen und Betuchten vertrauten ab sofort ihrem Couturier. Die Haute Couture wurde zum Inbegriff von Luxus.

Wenige Jahre später ca. um 1901 (ein Jahr nach der großen Weltausstellung in Paris) machte eine gewisse Lucy Duff Gordon auf sich aufmerksam. Sie kreierte stoffgewaltige Kleider im farbenfrohen Stil, die entfernt an eine Reise in den Orient erinnern. Unter ihrem Label LUCILE konzipierte sie Modenschauen die an eine Theateraufführung erinnern. Sie setzte als erste Musik und aufwendige Dekorationen ein, erstellte für jede Show eine Art Dramaturgie. Angelehnt an das Theater arbeitete sie mit Bühnenvorhang und suchte die schönsten der schönen Frauen für ihre Stücke. Sie war es die das Berufsbild des Models prägte, so ließ sie die Namen ihrer Darstellerinnen laut ausrufen, studierte mit ihnen theatralische Posen ein und verhalf ihnen so zu Persönlichkeit auf der Bühne. Nennen möchte ich kurz ihre Modeaufführung von 1909 „The seven Ages of Woman“, hier stellte sie in sieben Akten der Leben einer Frau da. Bei weitem keine einfache Modepräsentation mehr – eine Parade, eine Show!

Zu gleichen Zeit verändert in Paris ein gewisser Paul Poiret (ehemaliger Lehrling von Worth) die Damenmode grundlegend – er befreit die Dame nun endlich vom Korsett. Noch unvorstellbar zu dieser Zeit – jedoch sollte sich dies langsam aber sicher fundamental ändern. Poiret wusste sich zu vermarkten und inszeniert große exklusive Shows, die zum absoluten High Society Event wurden, darüber hinaus führte er Regie und drehte den wohl ersten Modefilm. Um seine Mode auch in Amerika zu vermarkten filmte er eines seiner Défilés in Paris. Wie schon LUCILE war auch er auf eine Zusammenarbeit mit dem Model bedacht, denn so sagt er:“Das Mannequin ist nicht jener hölzerne Gegenstand ohne Kopf und Herz, dem man mit Kleidern behängt wie ein Garderobenständer.“

Zu dieser Zeit, 1910, eröffnet auch Gabrielle Chanel, besser bekannt als Coco Chanel ihrer erste Boutique in Paris. Zur gleichen Zeit passiert auch einiges in Amerika, in Warenhäusern wurden Modenschauen gezeigt um den Verkauf zu fördern und die Händler hatten alle Hände voll zu tun, den Pariser Schick nach Amerika zu holen.

Von 1914 – 1918 rüttelte der Erste Weltkrieg an den Entwicklungen in der Modeindustrie. Die Illustration löste langsam aber sicher die Fotografie in der Zeitschrift ab und plötzlich sah man die Damen „der höheren Gesellschaft“ in Modemagazinen. Die Courtiers reagierten schnell und begannen damit Schauspielerinnen, Sängerinnen, Reiche und Adelige mit ihren aktuellsten Kollektionen auszustatten, kostenlos – na klar! Eine Art der Werbung die auch heute gern angewendet wird.

Das Brautkleid wird 1928 erstmals als Highlight und krönendes Ende einer Modenschau gezeigt, ein Jahr später werden die ersten Männermodenschauen veranstaltet.

Herausragende Modeveranstaltungen präsentierte Elsa Schiaparelli und nicht nur das, sie brachte das knallige Pink in Mode, machte den Reißverschluss Salonfähig und verzauberte durch Gradlinige elegante Schnitte. Aber noch viel interessanter ist, dass sie in den frühen 30er Jahren ihre Modekollektion „Le Cirque“ in ihrem Atelier von Zirkusartisten und -akrobaten zu einer atemberaubenden Vorführung machte.

In diesen Jahren legte das Chambre Syndicale de la Courture, die uns heute bekannten, Termine für die halbjährlichen Haute Couture Präsentationen fest, darüber hinaus wurden die Kollektionen von üblichen 400 Teilen auf max. 100 Stücke limitiert.

Der Zweite Weltkrieg schwächte die Modeindustrie ein weiteres Mal mit verehrenden Auswirkungen. Viele Designer mussten ihre Läden schließen, darunter auch Chanel. Da das NS-Regime den Stoffeinkauf für das Europäische Ausland erschwerte war die Basis der Arbeit genommen.

Revolutionieren sollte Christian Dior die Modebranche in der Nachkriegszeit 1947 mit dem „New Look“ (nach Carmel Snow von Harper’s Bazaar). Die taillierte Kleidung, die wadenlangen, Halbtellerröcke antworteten auf den Verzicht der Kriegsjahre und versprachen eine neue und bessere Zukunft.

Die Courtiers gaben ihren Shows bestimmte Charakteristika. Dior entwickelte eine Reihenfolge/ Dramaturgie der verschiedenen Kleidungsstücke (welche sich bis heute durchgesetzt hat). Coco Chanel entwickelt für ihre Models einen speziellen Gang. Hüften nach vorne, abfallende Schultern, eine Hand in die Tasche, die andere frei beweglich und natürlich die kühle und bestimmte Eleganz die Coco selbst verstrahlte.

Ab den sechziger Jahren veränderte sich die Modenschauen, Paraden und Spektakel, denn sie waren nicht mehr ein Phänomen in der Haute Couture. Die Pret-a-Porter, in Amerika Ready to Wear, setzte sich durch. Design für die Massen, weniger Schneiderkunst dafür bezahlbar. Mehr Spektakel, verrückte Ideen und Provokationen revolutionieren die Modenschau zum Modeevent. Mary Quant, die Erfinderin des Minirocks und Model Twiggi sind in bunter Erinnerung. Vivien Westwood holt den Punk auf den Laufsteg und macht durch ihre Kostüme für die Sex Pistols von sich reden.

Die Modeschau ist kein elitäres Instrument der oberen Gesellschaft mehr, nun nutzen frische Designer und kreative Köpfe den Hype und die allgemeine Begeisterung um die Inszenierung für Sich. Mode wird zum Ausdruck für Individualismus und zu einer Lebenshaltung. Ob nun Punk, Yuppie oder extravagante Partybewegung jeder Style hat seine spezifische Handschrift. Die Kunst der persönlichen Inszenierung spiegelt sich auch in den Inszenierungen der Mode wieder. Schauen der Superlative, aufwändige Kulissen, bunte Farben, Happenings und Tableaus statt Catwalks, Performances, Fashion Weeks und Messen entwickeln sich. Modisch sein ist en Vogue. Die Modenschau hat sich zu einer Branche entwickelt in der Designer, Models, Stylisten, Fotografen, Videokünstler, Pressemenschen und Modenschauregisseure ein fester und etablierter Teil sind.

Genug der vielen Worte, das soll ja nun kein Geschichtsroman werden. Ich mag es doch eigentlich lieber kurz und bündig. John Galliano trifft es auf den Punkt:
Die Mode ist eine sehr aufregende Zukunft – ich habe noch nie eine derart brodelnde Atmosphäre erlebt.

Quellen:
Kunstforum International, Dressed! Art en Vogue
Catwalks, Ausstellungskatalog des NRW-Forums Düsseldorf
The Story of Fashion, Eila Herson and Roberto Guerra, Art Haus Musik
Fashion, 100 Jahre Mode in der Werbung, Jim Heimann, Alison A. Nieder, Taschen
www.modeaparis.com, „Fédération française de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode„
365 Tage Fashion, Pascal Morché, Prestel